Mother Mary: La fama como ritual, el arte como fantasma
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Bienvenidxs a una nueva nota de Revista Sincericidio. Las películas del director estadounidense David Lowery son particulares: algunas son más comerciales, como Mi amigo el dragón (2016) o Peter Pan y Wendy (2023), mientras que otras son mucho más complejas, como Historia de fantasmas (2017) o La leyenda del Caballero Verde (2021). Su último trabajo, Mother Mary (2026), pertenece claramente a esta segunda categoría.
Por César Arturo Humberto Heil
Lo primero que voy a decir es que, a pesar de la confusión argumental en la que cae desde el comienzo, la película es una obra tan fascinante como irritante y tan hermosa como desconcertante.
La trama se centra en Mother Mary (Anne Hathaway), una exitosa y excéntrica cantante pop que, de buenas a primeras, deja de sentirse cómoda con su imagen y llega a la conclusión de que lo que muestra sobre el escenario no representa su verdadera identidad. Esta crisis la lleva a recorrer varios kilómetros para recurrir a los servicios de Sam Anselm (Michaela Coel), una ex diseñadora que fue fundamental en su carrera, con el objetivo de que le confeccione un nuevo vestido capaz de representar esta nueva versión de sí misma.
Después de una serie de recriminaciones y pases de factura por decisiones tomadas en el pasado, Sam acepta el encargo. Sin embargo, para lograrlo deberá exponer a Mother Mary a una especie de catarsis emocional que la ayude a encontrar el diseño que mejor se ajuste al momento que está atravesando.
Un duelo psicológico envuelto en artificio
Desde sus primeras escenas queda claro que Lowery no está interesado en el realismo. Lo que busca es una impronta más surrealista y provocadora. Su visión va más allá del lenguaje cinematográfico tradicional al incorporar una fuerte influencia teatral, no solo desde lo escenográfico, sino también desde la puesta en escena y la iluminación.
Los personajes de Mother Mary y Sam Anselm habitan espacios que remiten constantemente a escenarios teatrales. Se mueven bajo una iluminación que transforma la percepción de los lugares al cambiar de intensidad y color, y fragmenta a voluntad el tiempo y el espacio al materializar recuerdos dentro de la acción como si se tratara de ilusiones creadas por un mago. Lowery utiliza estos recursos extradiegéticos para convertir cada encuentro entre Mother Mary y Sam en una batalla emocional y simbólica.
En el centro de todo se encuentran dos interpretaciones extraordinarias. Anne Hathaway compone a una estrella pop en crisis, atrapada entre la imagen pública que construyó y una identidad que parece haberse perdido en el camino por razones que iremos conociendo más adelante.
Por su parte, Michaela Coel aporta una presencia magnética, convirtiendo a Sam en una figura amenazante y segura por momentos, y dócil y vulnerable en otros. La química entre ambas es el verdadero motor de la película. Incluso cuando los diálogos se vuelven abstractos o excesivamente crípticos, las actrices consiguen sostener la tensión dramática.
La primera mitad funciona eficazmente como un duelo psicológico entre dos mujeres marcadas por una relación de dependencia artística y emocional. Hay una lucha de egos, resentimiento, admiración y necesidad mutua que resulta suficientemente rica e interesante por sí sola.
Cuando lo sobrenatural se vuelve un obstáculo
A medida que la historia avanza, Lowery introduce una dimensión sobrenatural vinculada a una sesión de Ouija, un vestido rojo y una presencia que posee a Mary y que sería la razón de su transformación.
Es precisamente allí donde la película empieza a perder fuerza y donde la narración comienza a mostrar sus principales debilidades. No porque el elemento sobrenatural resulte inaceptable, sino porque nunca termina de justificar plenamente su existencia dramática.
La ambigüedad con la que se desarrolla el filme puede ser una virtud, pero aquí da la sensación de que aquello que ya estaba expresado a través de los personajes y sus conflictos emocionales vuelve a formularse mediante una simbología cada vez más abstracta y una dimensión sobrenatural que aporta más confusión que significado.
A esto se suma el problema de los diálogos. Hay momentos en los que los personajes dejan de hablar como seres humanos y comienzan a expresarse a través de conceptos abstractos. La conversación se transforma en una sucesión de ideas, metáforas y manifiestos emocionales que terminan alejando al espectador del conflicto en lugar de acercarlo a él.
El ritual final para expulsar la entidad que habita dentro de Mary intenta llevar la película al terreno del terror elevado, pero la forma en que el director lo muestra hace que la estética termine eclipsando cualquier atisbo de miedo.
La estética como gran triunfo
Visualmente, la película deslumbra. La fotografía de Andrew Droz Palermo y Rina Yang es impecable, y el uso del color construye una atmósfera hipnótica que encuentra un complemento perfecto en el vestuario diseñado por Bina Daigeler.
Mother Mary presenta claras referencias a obras como The Neon Demon, de Nicolas Winding Refn; In Fabric, de Peter Strickland; o Him, de Justin Tipping. La moda, la belleza, la celebridad y la construcción de la imagen de un ídolo aparecen representadas como fenómenos casi religiosos.
El vestido rojo que Sam confecciona para Mary evoca inevitablemente al de In Fabric, tanto por su presencia visual como por la sensación de que encierra una fuerza que excede a quienes lo utilizan. Del mismo modo, la progresiva disolución de la identidad de Mary recuerda a los relatos contemporáneos sobre celebridades atrapadas dentro de sus propios mitos, como sucede en Him.
La película también está repleta de imágenes de enorme potencia simbólica. Entre todas ellas destaca una escena de marcado tono teatral en la que Mary asciende por una escalera que se repite una y otra vez. La secuencia funciona como una poderosa metáfora de la fama y el éxito, sugiriendo que nunca existe una meta definitiva y que cada conquista conduce inmediatamente a una nueva exigencia.
A pesar de su narrativa caótica, Mother Mary nunca deja de ser una película estimulante. Se puede cuestionar su exceso de simbolismo o su tendencia a la abstracción, pero resulta difícil negar la ambición de la propuesta. Lowery intenta reflexionar sobre la fama, la identidad, el proceso creativo y el precio del éxito mediante una experiencia audiovisual que se mueve entre el drama psicológico, la fantasía y el terror. No siempre lo consigue, pero el intento posee una personalidad innegable.
Conclusión
Mother Mary es, en definitiva, una película más lograda como experiencia estética que como relato. Deslumbra por su fotografía, su vestuario, sus actuaciones y la potencia de muchas de sus imágenes. Al mismo tiempo, sus elementos sobrenaturales y su deliberada opacidad narrativa terminan dificultando la conexión emocional que intenta construir.
Es una obra imperfecta y, por momentos, frustrante, pero también lo suficientemente ambiciosa como para mantenerse siempre estimulante. Puede que no alcance la contundencia de las mejores películas de Lowery, pero confirma a un director dispuesto a asumir riesgos. Aunque no todas sus ideas llegan a buen puerto, la audacia de la propuesta la vuelve mucho más interesante que muchas películas más prolijas y convencionales.
