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La Muerte le Sienta Bien. In Memoriam 2022: Directores Extranjeros

14 minutos de lectura

Bienvenidxs a una nueva nota de Revista Sincericidio. Seguimos con La Muerte le Sienta Bien, nuestro recordatorio y homenaje póstumo a los fallecidos en 2022 del mundo del cine. Hoy nos ocuparemos de los directores extranjeros que nos dejaron durante el mismo y detallo a continuación.

Por Diego M. Bravo

Y en un soplo veo proyectado como un film toda mi vida.

Wolfgang Petersen

El 12 de agosto falleció este prolífico director alemán a sus 81 años. Iniciado en su país natal en 1977, logra su mejor obra con el film: “El barco” (Das Boot, 1981) por el cual fue postulado doblemente a mejor director y como mejor guion adaptado en los premios Oscar. Esto le abrió las puertas de Hollywood. Allí dirigió en coproducción con su país natal el icónico film de la década: “La historia sin fin” (Die unendliche Geschichte, 1984) y “Enemigo mío” (Enemy Mine, 1985). Dando a entender que deja de lado el mensaje antibelicista narrado con una maestría sumamente talentosa de “El Barco”, para encarar proyectos eminentemente comerciales.

Dirigió, entre otros: “En la línea de fuego” (In the Line of Fire, 1993) con Clint Eastwood y John Malkovich. “Epidemia” (Outbreak, 1995) con Dustin Hoffman, Kevin Spacey y gran elenco. “Avión presidencial” (Air Force One, 1997) con Harrison Ford y Gary Oldman, entre otros. “Una tormenta perfecta” (The Perfect Storm, 2000) con George Clooney y Mark Whalberg. “Troya” (Troy, 2004), con Brad Pitt. Y finalmente: “Poseidón” (2006) con Kurt Russell, que supuso un fracaso de crítica y público, que lo condujo a un retiro del cine. Hasta 2016, en el cual vuelve a su país natal para dirigir su última obra: “Vier gegen die Bank”, una comedia sobre el robo a un banco.

Jean Luc Godard

“El travelling es una cuestión moral” (JLG)

“Dos o tres clichés, dan risa, cien clichés conmueven” (JLG sobre “Casablanca” [1943] de Michael Curtiz)

En segundo lugar, como le corresponde al subcampeón de futbol, nos vamos a ocupar de este fundamental director que marcó un antes y un después en la historia del cine en general. Y nos referimos a Godard, quien falleció el pasado 13 de setiembre, a sus 91 años. Aparte de ser uno de los creadores de la “Nouvelle Vague” (para más info. sobre este ítem recomiendo que lean la nota de mi compañero César Heil: “La Nouvelle Vague: la deconstrucción del lenguaje”). Precisamente, en este contexto filma clásicos absolutos del cine francés y mundial como: “Sin aliento” (Á bout de souffle, 1960), “Una mujer es una mujer” (Une femme est une femme, 1961), “Vivir su vida” (Vivre sa vie: Film en douze tableaux, 1962). Más consolidado en la industria, se ocupa de retratar el cine dentro del cine, con una mirada tristemente autobiográfica en: “El desprecio” (Le Meprís, 1963), con un elenco tan versátil como talentoso: Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance, Fritz Lang y el propio Godard, entre otros.

“Asalto frustrado” (Bande á part, 1964), que aparte de que Quentin Tarantino le haya puesto a su empresa productora su nombre en homenaje a este film, posee una icónica escena de baile con los protagonistas: Anna Karina, Claude Brasseur y Sami Frey. Y finalmente “Pierrot, el loco” (Pierrot le fou, 1965), que supone el último film dentro de “La nueva ola francesa”, junto a su esposa y musa Anna Karina, a punto de finalizar la relación con ella.

Luego son de mencionar obras que adelantan el famoso “Mayo Francés” (“¡seamos realistas, pidamos lo imposible!”) por ej: “La chinoise” (1967), protagonizada por su nueva esposa: Anne Wiazemsky. Y “Week End” (1967), basada en un cuento corto de Julio Cortázar.

De su extensa filmografía de 131 obras, con muchísimos cortos experimentales, podemos mencionar la polémica “Yo te saludo María” (Je vous salue, Marie, 1985). La extraña adaptación de la obre shakesperiana “King Lear” (1987), con nada menos que: Woody Allen, Leos Carax, Julie Delpy, Burgess Meredith, Molly Ringwald y el propio Godard.

Y para finalizar, en el rubro documentales, caben destacar dos obras que son casi un díptico: “Historie(s) du cinema” (1988/1999), miniserie de ocho capítulos sobre la historia del cine, desde la perspectiva de Godard. Y en 2018, “El libro de imágenes” (Le livre d’image) una suerte de complemento y continuación de esta temática. Recibió una “Palma de oro especial” en el Festival de Cannes. Un merecido homenaje al eximio director galo.

Mario Bianchi

El 26 de julio falleció este director de cine. Empezó dirigiendo cine de género (sobre el tema que estuviera de moda en ese momento) y a partir de los años noventa se dedicó a dirigir cine “porno” (se ve que había que pagar el alquiler).
Dentro de su filmografía de 104 obras, podemos destacar: “In nome del padre, del figlio e della colt” (1972), un spaghetti-western clase B con Craig Hill y los españolísimos Agatha Lys y Frank Braña. “Provincia violenta” (un “poliziesco itálico” clase B) con Richard Harrison, Al Cliver y el propio Bianchi como un jefe policial.

“La bimba di Satana” (1983) es un film de terror y erotismo con Mariangella Giordano y Aldo Sambrell. Finalmente, antes de terminar haciendo únicamente filmes eróticos y anclarse en el porno, estuvo colaborando con su padrino, Lucio Fulci, pero en la decadencia de su carrera, codirigiendo con él (aunque sin acreditar) el telefilm “Il fantasma di Sodoma” (1988). Para conocer más de Fulci, los invito a leer la nota que escribió mi compañero Daniel López Pacha sobre él, en su sección Directores Controvertidos.

Ivan Reitman

El 12 de febrero del año pasado falleció este famoso director de comedias hollywoodenses. Conocido principalmente por el hit ochentero “Los cazafantasmas” (Ghostbusters, 1984). Tiene una filmografía de 23 filmes a su cargo y una gran carrera como productor además.

Se empezó a hacer conocido con su segundo film, la comedia de terror: “Cannibal Girls” (1973). Pero saltó a la fama con su divertimento/vehículo para un joven Bill Murray como lo fue: “Albóndigas” (Meatballs, 1979). Siguió otro éxito, también con Bill: “El pelotón chiflado” (Stripes, 1981). Aparte de la secuela “Cazafantasmas 2” (Ghostbusters II; 1989), estuvo a cargo de los vehículos para Arnold Schwarzenegger, haciendo sus pinitos en la comedia con “Gemelos” (Twins, 1988) y “Junior” (1995) junto a Danny De Vito y en “Un detective en el kinder” (Kindergarten Cop, 1990). Y quien, a su vez, hace un cameo en uno de los mejores filmes dentro de la filmografía de Reitman (así también, como uno de los más olvidados): “Presidente por un día” (Dave, 1993) junto a unos brillantes Kevin Kline y Sigourney Weaver. Luego de estos filmes no tuvo tanto éxito con otras obras, como por ej.: “Un papá de sobra” (Father´s Day, 1997) con Robin Williams y Billy Cristal y “Seis días y siete noches” (Six days Seven Nights, 1998) con Harrison Ford y la también fallecida el año pasado, Anne Heche. Su último film fue el drama deportivo: “Decisión final” (Draft Day, 2014), con Kevin Costner.

Pero tuvo su revancha con el éxito y reconocimiento como productor. Aparte de sus propios filmes, estuvo detrás de obras de varios colegas. Como el film de suspenso de Atom Egoyan: “Chloe” (2009) con Julianne Moore y Liam Neeson. O la agridulce comedia dramática dirigida por su hijo Jason: “Amor sin escalas” (Up in the Air, 2009). Con esta fue postulado a mejor película en los premios Oscars, por su rol como productor.

Albert Pyun

El pasado 26 de noviembre falleció este prolífico y original director especializado en filmes de género de poco presupuesto, pero de una gran inventiva visual. En su primera obra, heredera directa de “Conan”: “La espada y el hechicero” (The Sword and the Sorcerer, 1982) empezó a desplegar su capacidad para narrar con ingenio y pocos fondos. Con “Sueños radiactivos” (Radioactive Dreams, 1984) una mezcla de film noir con ciencia ficción, realizó una de sus mejores obras. Pero en 1989, se hace mundialmente conocido dirigiendo el vehículo de la Cannon para su estrella Jean Claude Van Damme: “Cyborg”. Hizo la primera versión de “El capitán América” (Captain America, 1990) con Matt Salinger (cuya única virtud es ser el hijo del escritor J. D. Salinger, aparentemente). Fue un intento de Menahem Golan luego de salir de Cannon (por graves problemas financieros) de hacer un film que lo consagre, en su nueva productora 21st Century Film Corporation. Pero con muy poco dinero y poco tiempo antes de perder los derechos. A pesar de esto, Pyun se ofreció a realizar el film igual, centrándose en los personajes. Pero los productores deseaban escenas de acción, por eso echaron a Pyun y quedó lo que quedó.

También se destacan: “Kickboxer 2” (1991), “Némesis” (1992), “Adrenalin” (1996) y “Mean Guns” (1997) con Christopher Lambert. “Omega Doom” (1996) y “Blast” (1997) con Rutger Hauer. “Ticker” (2001) con Steven Seagal. Todas ellas filmadas en muy poco tiempo. Por ej, en esta última, Dennis Hopper (el villano del film) filmó todas sus escenas en un solo día. En 2007 vino a filmar a nuestro país, más precisamente en Campanópolis, el western: “Left for Dead” con Victoria Maurette y elenco argentino en su mayoría. Nuestro crédito local también protagonizó su thriller “Bulletface” (2010) y estuvo en el elenco de “Tales of an Ancient Empires” del mismo año, secuela de su primer film. Dejó sin terminar “Cyborg Nemesis: The Dark Rift” porque enfermó gravemente durante su postproducción. Y su último film destacable fue “The Interrogation of Cheryl Cooper”, un film de suspenso hecho con pocos actores y bastante imaginación, demostrando nuevamente todo lo que Pyun puede ofrecer al ser un realizador consumado del género y contando con pocos recursos, en pos de contar una historia.

Jean Jacques Beineix

Seguimos con los subcampeones del mundo. En este caso nos ocuparemos de este director galo que falleció el pasado 13 de enero a los 75 años. Actualmente muy olvidado, fue un adelantado a cierta estética, influenciada fuertemente con la publicidad y una mirada particular que luego sería continuada por sus colegas Luc Besson y Leos Carax, entre otros. Su opera prima “Diva” (1981), protagonizada por la cantante de ópera Wilhelmenia Fernandez junto a unos jóvenes Richard Bohringer y el debut de Dominique Pinon, fue un gran suceso de público, no así de crítica, quizás por su estética “neo-noir”. Pero ganó 6 premios César, entre ellos mejor film y fotografía.

Su segundo film “Obsesión fatal” (La lune dans le caniveau, 1983), una gran producción filmada en Cinecittá con Gérard Depardieu, Nastassja Kinski, Victoria Abril y Pinon nuevamente, fue un fracaso de crítica y público. En 1986 tuvo su revancha con “Betty Blue” (37°2 le matin) con Jean Hughes Anglade, Beatrice Dalle y el ahora solicitado Vincent Lindon. Trata sobre la apasionada y difícil relación de una joven pareja. Con este film, volvió a tener éxito de público y reconocimiento crítico, que la llevó a ser la elegida para ser la representante de Francia en los premios Oscar, como mejor film extranjero, pero que no ganó.

En 1992 filmó “IP5” (IP5: L’île aux pachydermes), con un joven Olivier Martinez. Además fue el último film del gran Ives Montand, quien falleció al poco tiempo de finalizar su participación. Narra el viaje real e interior que realizan dos jóvenes y un anciano. Era considerado por el propio director como su mejor película. Luego del fracaso de su film “Mortel transfert” (2001), se dedicó a hacer algunas obras para tv. Allí pudo continuar con su particular e intransigente mirada sobre como narrar en imágenes.

Bob Rafelson

El 23 de julio pasado, a los 89 años, falleció este director yanqui que se consolidó durante la década de los 70´s principalmente. Comenzó en tv, siendo el director de la serie de “The Monkees” (un grupo prefabricado, que fue una especie de respuesta yanqui a los Beatles) y su consiguiente debut en la pantalla grande con “Head” (1968), que además es su opera prima. En 1970 dirigió “Mi vida es mi vida” (Five Easy Pieces) la primera de sus colaboraciones con el gran Jack Nicholson (que lo ampliaremos debajo). Este drama y piedra basal del “nuevo Hollywood” de los setentas, tuvo 4 postulaciones para los Oscars de la Academia (dos para el propio Rafelson, como productor, por mejor película y como guionista).

Otras obras de su filmografía que son dignas de mención fueron: la comedia dramática sobre fisicoculturismo: “Stay Hungry” (1976) que supuso el debut en el cine comercial de Arnold Schwarzenegger junto a Jeff Bridges y Sally Field. El thriller “Viuda negra” (Black Widow, 1987) con Debra Winger y Theresa Russell. El telefilm “Poodle Springs” (1998) basado en la última novela de Raymond Chandler con James Caan. Y su último film fue otro thriller: “No Good Deed” (2002) con Samuel L. Jackson y Milla Jovovich.

Además fue el productor (No acreditado) de filmes clásicos y fundamentales del cine yanqui de los setentas como por ej: “Busco mi destino” (Easy Ryder, 1970) de Dennis Hopper y “La última película” (The Last Picture Show, 1971), del también fallecido Peter Bogdanovich (ver abajo).

También cumplió el mismo rol con el prestigioso film francés: “La maman et la putain” (1973) de Jean Eustache. Y fue el director de uno de los videos clips más conocidos de la década del 80´s: “All Night Long (All Night)” de Lionel Richie.

Pero la gran amistad con el icónico actor Jack Nicholson derivó en una larga colaboración cinematográfica, con el cual dice que se entendía sin hablar. Hicieron juntos: “El rey de Marvin Garden” (The King of Marvin Gardens, 1972), el clásico thriller erótico: “El cartero llama dos veces” (The Postman Always Rings Twice, 1981) junto a Jessica Lange. La comedia romántica “Man Trouble” junto a Ellen Barkin. Y su último trabajo juntos fue el gran film de suspenso: “Sangre y vino” (Blood and Wine, 1998) junto a Jennifer Lopez y Michael Caine, broche de oro para una amistad que rindió siempre en la pantalla.

Mike Hodges

Este director inglés falleció el 17 de diciembre de 1992 a los 90 años. En su filmografía podemos mencionar obras de género tales como: el film de ciencia ficción “The Terminal Man” (1976) con George Segal. Dirigió algunas escenas para “La profecía II” (Damien: Omen II, 1978) pero fue despedido por los productores, al inicio del rodaje, reemplazado por el artesano Don Taylor. Por este motivo no figura en los créditos de este film. En 1980 dirigió el encargo de Dino De Laurentiis: “Flash Gordon”. Una fantasía “camp” y “kitsch” muy delirante con Max Von Sydow, Ornella Mutti, Timothy Dalton, un impertérrito Sam J. Jones protagonizando y con una banda de sonido inolvidable a cargo de Queen. A pesar de que fue un fracaso de crítica y público, posteriormente, fue revalorizada como una comedia involuntaria. Y en palabras del propio Hodges: “la única película improvisada de 27 millones de dólares jamás realizada”.

Se estableció una relación con este grupo de rock inglés. Razón por la cual, dirigió los videoclips de los temas: “Flash” y “Body Languague” del grupo Queen.

En cine también dirigió a Mickey Rourke (en la cúspide de su carrera), Bob Hoskins y Liam Neeson, en el drama sobre Irlanda: “Plegaria para un asesino” (A Prayer for the Dying, 1987). A Rosanna Arquette y Jason Robards en el film de suspenso y terror: “Arco iris negro” (Black Rainbow, 1989). A Clive Owen en los dramas criminales: “La jugada” (Croupier, 1998) y en “Dormiré cuando esté muerto” (I’ll Sleep When I’m Dead, 2003) que fue su último film.

Pero merece un párrafo aparte su opera prima: “Carter, asesino implacable” (Get Carter, 1971) con una de las mejores actuaciones de toda su carrera, de Michael Caine, como un frío asesino. Esta obra fuertemente influenciada por las obras del escritor Dashiell Hammet y el cine negro yanqui de los cuarenta que es trasladado a la Inglaterra de los suburbios de los 70´s, la convirtieron en un clásico instantáneo de culto y un gran suceso de crítica y público. Está considerada por los especialistas como el mejor film policial británico de todos los tiempos. Uno de los méritos insoslayables que poseía este no tan conocido director inglés.

Peter Bogdanovich

Este director fundamental dentro de la historia del cine yanqui, especialmente en la década del setenta, falleció el pasado 6 de enero a los 82 años. Aparte de ser uno de los bastiones del “nuevo cine americano” de los 70´s, tiene toda una historia que da para un artículo aparte. Desde novias famosas que trabajaron a sus órdenes hasta su amistad con John Ford y Orson Welles, entre muchos otros. Debutó apadrinado por el gran Roger Corman, que le produjo “Míralos morir” (Targets; 1968) con el inmenso Boris Karloff (ya que le debía dos días de trabajo al productor) y el propio Bogdanovich, quien varias veces despuntó el gusto por la actuación.

Pero en 1971, escribió (basado en la novela de Larry McMurtry) y dirigió “La última película” (The Last Picture Show), film fundamental de la década y del “nuevo cine americano”. Postulado a ocho Oscars de la Academia, entre ellos, al mejor director y guion para Bogdanovich, ganó los de mejores actriz y actor secundario, para los inmensos Cloris Leachman y Ben Johnson, respectivamente. Este drama rural sobre unos jóvenes desencantados en Anarene, Texas, marcó toda una época y consagró a unos jóvenes Jeff Bridges y Cybill Shepherd (además, esta sería la musa y novia de Peter, en esos años). En 1990, ambos volverían, en la secuela “Texasville”, que no tuvo tanto éxito de público.

En 1972 dirigió la comedia de influencias netamente “hawksianas”: ¿Qué pasa doctor? (What´s Up Doc) con Barbra Streisand y Ryan O´Neal. Repite con este último en “Luna de papel” (Paper Moon, 1973). Este film fue postulado a 4 Oscars, ganando el de mejor actriz secundaria, a una joven Tatum O´Neal (hija del propio Ryan y sigue siendo hasta ahora la ganadora más joven de la historia).

A partir de 1974 empieza la debacle en la carrera fílmica del director, con los sucesivos fracasos de crítica y público de “Daisy Miller” y “Al fin llegó el amor” (At Long last Love; 1975), ambas con su musa Shepherd. Empezó a repuntar con “Saint Jack” (1979) y “Nuestros amores tramposos” (They All Laughed, 1981) ambas con Ben Gazzara. En la última también participó, la malograda Dorothy Stratten (joven novia de Peter y asesinada por su ex, hecho que sirve de base para el film de Bob Fosse: “Star 80” [1983] con el actor Roger Rees haciendo de Bogdanovich, con otro nombre).

Entre el resto de su filmografía podemos mencionar: “Máscara” (Mask, 1985) el drama con Cher y Eric Stoltz, que para quien suscribe, se encuentra entre lo mejor de la carrera de Bogdanovich. La brillante comedia “Silencio, se enreda” (Noises Off, 1992) y la comedia dramática “Una cosa llamada amor” (The Thing Called Love, 1993), uno de los últimos filmes de River Phoenix. El drama semibiográfico sobre Hollywood de la década del 20: “The Cat´s Meow” (2001) con Kirsten Dunst. La comedia romántica “Enredos en Broadway” (She´s Funny That Way, 2014) con Jennifer Aniston, Owen Wilson, Cybill Shepherd y hasta Quentin Tarantino, que fue su último film de ficción.

Su carrera directorial en televisión fue muy prolífica, al igual que su obra literaria. También dirigió gran cantidad de documentales, entre los que podemos mencionar: “Directed by John Ford” (1971) y “The Great Buster” (2018) sobre el genial Buster Keaton, que sería su última obra.

Y además, una larguísima serie de actuaciones delante de las cámaras. Ya sea, en sus propios filmes o de otros directores. Entre los cuales destacamos su aparición, haciendo de él mismo, en el inicio de “It, capítulo 2” (It, Chapter Two; 2019) de nuestro compatriota Andy Muschietti, homenaje en vida que recibió este gran director.

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